D’emblée, le ton est donné par une quadrichromie bien « repé-rable », un bleu, un jaune, un rouge et le noir qui font sa signature. Avec des bleus lumineux, des rouges vifs et des jaunes « écla-tants », les couleurs primaires de sa palette s’étalent au préalable sur des papiers orientaux avant d’être marouflés sur des toiles tendues sur châssis. Son écriture nerveuse traduit la puissance colorée des champs de colza des paysages de Forterre, de la Côte d’Opale ou des bords de Loire qui l’enchantent. Avec l’envie d’enivrer le réel, elle use des couleurs saturées pour exalter les paysages qu’elle aime, pour incarner leur « persis-tance » en elle...Pour Judith Wolfe, la couleur est un outil autant au service de ses souvenirs visuels qu’un moyen à l’appui de ses convictions. (Texte de Jacques Py).

Les tableaux d’Alain Bouaziz ont des silhouettes incertaines, flottantes, leurs bords délimitent arbitrairement l’extérieur et l’intérieur : on dirait des flaques ou des silhouettes fictives. Des ombres et des reflets colorés d’objets présumés visibles traversent leur surface, révélant des objets qu’on suppose réels… Un contour est souligné, une autre fois il semble émerger. Dans sa série intitulée « Chantier » l’ébauche récurrente d’un orifice circulaire suggère un œil perspectif. Des esquisses de tracés stylisent des repentirs imaginaires. Alain Bouaziz guette le visuel comme on enregistre des images provisoires. (Texte de Albert Zuello, 2021).

Le papier est le thème de cette exposition ; Papier dessiné, peint, découpé, collé, assemblé, animé, filmé… Ira Vicari utilise le matériel à sa disposition, peinture acrylique, crayons, feutres, aquarelles… l’artiste découpe, recompose, le dessin devient presque une petite sculpture, un objet, la maquette d’une structure non identifiée. Dans l’animation projetée ces (parfois mêmes) dessins s’enchaînent dans le temps les uns les autres et se transforment en images fuyantes, souvenirs de quelque chose que Ira Vicari ne sait plus. Avec le papier Ira Vicari se sent libre de fabriquer et puis défaire, composer pour déséquilibrer, tenter d’inventer un imprévu.

Si ces images présentées s’apparentent parfois à l’abstraction, elles ont à voir avec le motif sans qu’on ait eu besoin de reproduire un modèle. Des clichés visuels réappropriés, paysages, décombres, insectes ou végétation... Le mouvement Cobra convoquait de nouveau une figuration primitive pendant la grande vague abstraite américaine, et cet effort a marqué Julien Fischel. La pratique de la gravure sur bois et le principe de la réserve du papier ont amenés Julien Fischel à utiliser en peinture une sorte de masque, pochoir avec du latex qui, une fois sec est recouvert d’une couche uniforme d’acrylique, puis dépouillé... Cette procédure est répétée pour chaque «passage de couleur». C’est à ce prix que l’artiste peut continuer la peinture, mais il n’est pas certain par cette pratique de ne pas continuer l’estampe...

Telle une réminiscence, une onde de souvenirs en nous profondément enfouis, les œuvres de Damiano Pahk parlent à notre âme, s’imposent à notre esprit, réveillent des impressions. Sans autre justification, elles font naturellement partie de nous, de ce qui élabore notre essence, nos connaissances. Cette évidence la devons-nous au choix magistral de ce bleu de cyan ? À cette affinité que nous entretenons tous avec la couleur bleue ? A ce nom qui évoque des horizons merveilleux tout comme ces synonymes... indigo, lapis-lazuli, outremer, azur... Maupassant nous éclaire : « L’âme a la couleur du regard. L’âme bleue seule porte en elle du rêve, et il a pris son azur aux flots et à l’espace ».

La peinture de Caroline Forest est abstraite, tout en pouvant se nourrir de sensations visuelles vécues. La couleur construit l’espace du tableau à la recherche d’un équilibre entre des pôles opposés : dynamisme et apaisement, opacité et transparence. Formes colorées et gestes répétés créent des rythmes entrecoupés de césures et de respirations. Le blanc joue l’ambiguïté, il est tantôt forme, tantôt fond, parfois les deux en même temps. Il change de nuances et provoque des glissements de plans. Il introduit une incertitude autour du visible et de l’invisible qui est au cœur de ses recherches. qui téléportent les bruits du monde.

La forêt du peintre nous parle : quand nous sommes ensemble, nous ne ressentons pas la solitude ou la difficulté. Ceux qui souffrent et se sentent seuls, la forêt leur demande de venir à elle. La forêt de l’artiste nous rappelle qu’elle est un espace de communauté où l’on peut tout embrasser, réconforter et tout partager. Au final, la forêt du peintre Hong Ilhwa, qu’il poursuit depuis 2020, est en rapport avec l’être humain qui est son sujet d’expression depuis 20 ans. La nature est l’ami le plus proche et le protecteur qui coexiste en symbiose avec les humains. La « forêt du peintre » de Hong Ilhwa est une forêt qui embrasse le sens de la coexistence au-delà de la symbiose.

(Texte extrait de « La forêt du peintre Exploration sur la symbiose et la coexistence de Gotjawal » de Byun Jong-pil directeur du musée d’art moderne de Jeju).