L’art étant pour moi le lieu et le moyen de m’interroger sur ce qu’il y a de plus essentiel à l’homme, c’est vers le mot écrit ou imprimé, fondement de la civilisation humaine, que graduellement je me suis tournée. Travaillant à partir de livres, dictionnaires, ou outils pour écrire et imprimer, je m’attache à mettre le sens à l’écart (recouvrement, broyage etc.) afin de briser «l’épaisse croûte de discours» (I. Calvino) qui pèse sur le monde, et de régénérer la force silencieuse de la lettre. Vivant la «dévitalisation» de cette lettre par le numérique comme une dévitalisation de l’humain, je m’efforce de donner à sentir la force vitale de sa trace dans le monde réel.

Miji Yoon est une artiste sud-coréenne née à Séoul. Elle vit et travaille en France depuis 2012. Elle s’interroge sur l’étrange relation entre la nature et les êtres humains. Pour elle, le paysage qui nous entoure est une œuvre d’art créée par un artiste anonyme. La nature inscrit, efface et réécrit le temps, l’histoire, sans cesse. Au moyen de multiples genres artistiques tels que : la photographie, la vidéo et le dessin, avec un intérêt particulier pour l’installation in-situ, Miji Yoon recrée son paysage hybride temporaire.

La pratique régulière de la montagne de Bernard Jeufroy a une influence directe sur son travail d’atelier. Les assemblages actuels de toile froissée répondent à son intérêt pour l’accroche de la lumière. Dans ses pièces libérées du châssis, l’abandon de l’orthogonalité du cadre n’exclut pas l’importance des directions, des axes, de l’aplomb horizontal et vertical mais les met en jeu et les interroge.

Matrices en bois et impressions sur papier se déploient et dialoguent pour cette exposition. Ce travail de gravure en taille d’épargne joue sur des modules : la juxtaposition, la rupture, la résonance entre les formes et les couleurs, la partition particulière créée pour chaque espace. Le choix de l’impression monochrome offre une expérience directe et sensuelle de la couleur et permet de ressentir l’énergie du travail avec la gouge. Il ne s’agit pas tant de raconter une histoire avec des images que de faire ressentir un voyage intérieur et initiatique par le mouvement et la couleur. Une invitation à se laisser conduire dans un monde mouvant et abstrait.

Exposition proposée par Lee-Ju-Hee curator, en collaboration avec le collectif Ik-Art. Cette exposition en duo, propose d’examiner d’une extrémité à l’autre, les limites des artistes Park-In-Hyuk et Ha-Seok-Hong. D’explorer les innombrables changements, les rencontres entre les deux, comme le noir et blanc, le matériel et l’immatériel, le concret et l’abstrait, l’existence et la non-existence.

Karine Garcia vit et travaille à Paris. Artiste peintre, elle est également professeur de dessin-peinture à l’Espace Icare depuis plus de 25 ans. Elle anime par ailleurs de nombreux cours auprès des ateliers beaux-arts de la ville de Paris ainsi que du Ministère de la transition écologique. Diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1990, elle entame un travail inspiré par l’abstraction lyrique des années 50 qui évoluera vers une recherche sensible du paysage, indifféremment figurative ou semi-abstraite. En 2019-2020, elle participe à une résidence artistique au musée Bourdelle, consacrant des séances régulières de dessin dans les espaces du musée, s’imprégnant de son atmosphère et des œuvres d’Antoine Bourdelle. L’exposition présentée à l’Espace Icare reviendra sur cette expérience exceptionnelle, au travers d’une série de dessins au graphite, fusain, craies ou pastels, réalisés dans le musée et en atelier. Cette présentation sera accompagnée d’un ensemble d’œuvres résonnant avec les préoccupations picturales traversées à l’occasion de cette résidence. Dans toutes ces œuvres, le regard de Karine Garcia se montre silencieux et intime, cherchant à fixer l’immatérialité d’un moment.

L’élagueur chargé d’abattre le septième platane de l’allée Buffon du Jardin des Plantes m’a gardé l’amorce des branches charpentières, préconisant un séjour dans l’eau pour évacuer la sève qui fait éclater le bois. Séché, évidé à la gouge, le tronçon rejoint la forêt de mes trophées, coupes d’arbre de Judée et de marronnier recueillies au jardin du Luxembourg, culées exotiques récupérées sur les ports de grumes… Entouré d’œuvres qui présentent l’arbre dans tous ses états – du goudron à la cendre – il poursuit une existence que les Minutes Papillons filmées par Anne-Marie Gourier replacent dans la vie comme elle va.

Dans cette exposition, il est question d’espace et de doute, entre paysages et abstractions, entre peinture et installation. Elsa Letellier explore la création d’œuvres « vivantes », utilisant des médiums changeants qui se transforment au contact de la lumière et des mouvements de l’œil. Un jeu s’instaure avec celui qui regarde, les tableaux devenant autant de voyages immersifs, dans lesquels l’observateur est aussi acteur d’une création en recomposition.